Paul Kostabi, personaggio dai trascorsi punk rock, è oggi una persona riservata e attenta all’ambiente. Segue uno stile di vita vegano, pratica quotidianamente meditazione, e anche per questo lo ammiro molto. Famoso musicista, ha fondato i gruppi “White Zombie”, “Youth Gone Mad” e “Psychotica”, ha duettato con i Ramones, ma ha anche dipinto a quattro mani con Dee Dee Ramone, lo storico bassista del gruppo. Anzi, a 6 mani, perché ha collaborato anche il fratello Mark.
“Paul Kostabi ha trasportato la visione e l’energia Punk Rock nell’arte visiva!“
I lettori di BIANCOSCURO vogliono sapere di più sulla sua arte visiva, poiché anche lui è un grande pittore, basti pensare che le sue opere sono presenti nelle collezioni del Guggenheim Museum e del Whitney Museum of American Art, tra gli altri. La sua è una pittura dalla caratteristica primitiva che canalizza la libertà creativa che arriva dalla musica Rock, liberandola in tele dai colori vivaci. Realizza ritratti astratti con volti scomposti alla Picasso mentre Basquiat e Pollock sono la sua ispirazione per l’energia punk delle sue opere.
Vincenzo Chetta: Buongiorno Paul, ti ringrazio molto per questa chiacchierata, so che normalmente eviti interviste sul tuo lavoro e sulla tua vita personale, ma le tue opere mi intrigano e attirano al punto da volerne saperne di più. Racconta, come è nata in te la passione per la pittura?
Paul Kostabi: Alle scuole medie ho iniziato a disegnare segni di pace ai margini dei miei quaderni quando ero annoiato in classe. All’epoca non lo sapevo, ma il simbolo della pace è creato con le lettere N e D, un’abbreviazione di Nuclear Disarmament (disarmo nucleare) nell’alfabeto semaforico. È così che ho imparato le forme e la composizione di base durante la creazione di opere visive. Successivamente ho iniziato a disegnare e dipingere versioni più primitive dei personaggi e dei simboli che creo ancora oggi.
All’inizio degli anni ‘80, un’etichetta discografica punk cercava artisti per creare le copertine dei loro album. Al contrario dei tradizionali mezzi pubblicitari, come vedere i portfoli degli artisti attraverso i canali standard, il proprietario dell’etichetta discografica decise di tenere una mostra d’arte all’interno della discoteca dove suonavano i suoi gruppi punk. Ho inviato dei lavori e ottenuto un’ottima risposta dai visitatori della mostra e dal proprietario dell’etichetta discografica. Questo è davvero ciò che ha alimentato la mia passione per la pittura da quel momento in poi. Doveva essere un’estensione della mia produzione musicale.
V.C.: Attack, Release, and Threshold (Attacco, rilascio e soglia), non necessariamente in quest’ordine: questa la tua modalità per realizzare opere d’arte, puoi descriverla?
P.K.: Attack, Release e Threshold (o ART) sono impostazioni dell’unità di compressione nella produzione musicale. Attack è il tempo di reazione, Release è per quanto tempo il compressore trattiene un segnale e Threshold imposta il livello a cui il compressore inizierà a funzionare. È lo stesso con la pittura: quanto tempo dopo aver avuto un’idea per un dipinto, eseguo l’idea? Per quanto tempo trattengo la creazione del dipinto finché non decido che è finito? A quale numero di impressioni o in quale contesto lo spettatore inizierà a elaborare le informazioni che ho presentato? Questo è ciò che intendo per ART.
V.C.: Il tuo genere spazia dall’espressionismo figurativo all’astrazione, le tue opere non smettono mai di evolversi. Come fai a sapere quando un dipinto è finito?
P.K.: Non sai mai veramente quando un dipinto è finito. Un dipinto, essendo un’estensione dei miei pensieri e sentimenti, sarà sempre una cosa viva per me. Anche dopo averlo acquistato, portato a casa e appeso al muro, potrei vederlo 10 anni dopo e voler aggiungere un altro tocco di vernice qua o là. Quello che sembra davvero dettare quando un dipinto è considerato finito nella mia carriera è stato quando un gallerista o collezionista viene e me lo prende.
V.C.: New York “è dentro” il tuo lavoro, raccontaci come the Big Apple influenza le tue opere…
P.K.: New York City non è solo all’interno del mio lavoro, ma è anche al di fuori e quindi anche la struttura del mio lavoro. Quando compongo la struttura di un pezzo, alla prima pennellata sulla tela, devo considerare come apparirà questo pezzo circondato da New York City. È un concetto molto diverso se pensi al tuo lavoro appeso a un muro in un ambiente rurale, potrebbe sembrare che “sporga” dallo sfondo. A New York City sarà circondato da così tanto rumore visivo a cui devo pensare se voglio che questo pezzo sia in primo piano, sullo sfondo o come parte del paesaggio. La città stessa influenzerà sempre il mio lavoro fornendomi interazioni e incontri unici per la città.
V.C.: Sicuramente hai degli artisti preferiti o artisti che ti hanno ispirato nel corso della tua vita…
P.K.: I miei artisti preferiti sono Picasso e Georg Baselitz. Sono anche fortemente ispirato dal movimento CoBrA degli anni ‘40. Penso che ci sia una linea netta tra opere come “Where Is The Yellow Milkjug, Mrs Bird?” di Baselitz e il mio “Phuket 2015” in cui vedo la mia realtà attraverso i suoi occhi.
V.C.: Sono curioso: come hai conosciuto Dee Dee Ramone?
P.K.: Ho incontrato Dee Dee nell’appartamento di Arturo Vegas. Arturo è stato un artista che ha lavorato anche come tecnico delle luci dei Ramones. Dee Dee stava fumando Marlboro Rosse e ha detto “Ciao, mi chiamo Dee Dee. Facevo parte di una band chiamata The Ramones, ma ho semplicemente smesso”.
V.C.: Ho trovato una foto scattata da Andy Warhol che ritrae te e tuo fratello Mark, puoi raccontarci di più di quella foto?
P.K.: Mark ed io ci eravamo appena esibiti dal vivo, con musica e poesia, al Limelight, un nightclub ormai defunto di New York. Quando Mark ha finito, ha iniziato a porre domande aperte al pubblico.
Il Limelight era ubicato in una chiesa sconsacrata e, sarebbe diventata di fatto, la discoteca della scena rave americana. Ricordo che è stata l’ultima volta che ho bevuto vodka, soprattutto perché Warhol suggerì a Mark che avevo bevuto troppo e disse: “Forse dovresti mandare a casa il tuo fratellino”. Suppongo che, se avessi voluto documentare quel momento della mia storia, non avrei potuto chiedere un fotografo migliore.
V.C.: Come presenteresti “Sprkl”?
P.K.: Sprkl è un personaggio che ho iniziato a disegnare in giovane età. Da allora ha attraversato diverse incarnazioni, ma la sua forma attuale è la stessa da oltre un decennio.
È un personaggio immaginario la cui vita è intrecciata con la mia. Poiché sono stato in grado di dipingerlo sui murales e sui cancelli di sicurezza intorno all’East Village, nel tempo è diventato un residente immaginario dell’East Village la cui vita si è intrecciata con tutti i suoi vicini e le persone che lavorano nel quartiere. Trovo che ciò che era iniziato nella mia immaginazione ora è diventato reale, con le persone che spesso si riferiscono a lui come a una persona reale in conversazione.
La sua personalità è in parte la mia e in parte quella di ciò che lo spettatore riflette su se stesso per lui. In questo modo è veramente un membro attivo della sua comunità in un modo di cui io stesso non sarei capace.
V.C.: A tal proposito, parlaci dei progetti di Sprkl e della sua famiglia.
P.K.: La mia decisione di aggiungere figli alla famiglia di Sprkl è stata la mia risposta al mio son-in-law all’annuncio che sarebbe diventato padre. Dato che Sprkl è una versione di me stesso, ho pensato che sarebbe stato il modo in cui ho annunciato al quartiere che presto avremmo avuto un nuovo membro nella nostra famiglia.
V.C.: Molte persone hanno un delicato equilibrio tra introverso ed estroverso, spesso gli artisti sentono il bisogno di riequilibrare i confini, tu come fai?
P.K.: È molto semplice: “quando il soggiorno è troppo affollato, vai a nasconderti in camera da letto” ovvero: “Se troppe persone cercano di attirare la tua attenzione, è meglio isolarti temporaneamente per il tuo stesso benessere emotivo”.
V.C.: Pratichi meditazione costantemente, mattina e sera, in che modo il tuo lato spirituale influenza la tua arte?
P.K.: Medito ogni giorno, due volte al giorno, in pieno padmasana per 30 minuti. Non sono un tipo “spirituale”, ma amo la cultura che circonda la spiritualità e questo influenza notevolmente il mio lavoro. Ad esempio, il mio dipinto “Untitled #12” (2020) è il ritratto di uno sciamano in trance. Ero trafitto guardandolo e questo mi ha ispirato a riflettere sulla mia reazione nel dipinto.
V.C.: Una domanda che pongo sempre durante le mie interviste: che consiglio daresti ad un artista?
P.K.: Questa domanda mi viene posta spesso dagli artisti e la mia risposta è sempre la stessa, semplicemente “Sì”. Una volta che ti rendi conto che devi essere un artista, è importante che questo “titolo” faccia parte della tua identità.
Quindi, quando mi viene posta questa domanda di solito è perché il giovane artista è scoraggiato dalle persone da cui è circondato e guarda a me per vedere come sono sopravvissuto. Il modo è sempre lo stesso. “Sì”, continua a provare. “Sì”, puoi farlo. “Sì”, sei abbastanza bravo.
V.C.: Grazie per aver risposto con pazienza alle nostre domande, e ancora complimenti, spero di reincontrarti presto!
Paul Kostabi (Whittier, California. 1 ottobre 1962) è un pittore, musicista e produttore discografico statunitense, è fratello dell’artista Mark Kostabi. Ha fondato, i seguenti gruppi musicali: Youth Gone Mad (1981), White Zombie (1984) e Psychotica. Nel 2002, ha suonato, insieme a Dee Dee Ramone e C.J. Ramone (dei Ramones), la canzone Blitzkrieg Bop alla Roseland Ballroom di New York. È stata l’ultima volta che i Ramones sono apparsi insieme sullo stesso palco. Nel 2006 ha dato vita a uno studio di registrazione a Piermont, nello Stato di New York. Insieme a Dee Dee Ramone ha prodotto una serie di dipinti esposti in varie gallerie. Le sue opere sono esposte al Museo di Paterson, al Guggenheim Museum, al New England Museum of Art, al Millennium Museum, al Whitney Museum of Art e al Museo MUSEION.